Con el inicio de la trilogía, editada por RBA, el libro nos trae el buen hacer de la creadora que logra engancharnos desde el principio quitando el asombro a la protagonista, excepto en alguna tregua que nos permite adentrar en el mundo de Katniss, la niña rebelde en un sistema podridamente injusto donde ni concebimos como se ha llegado al nivel de permitir tal salvajada: televisar la transformación de 24 pre-adolescentes en salvajes máquinas de matar por la supervivencia y la fama.

Narrado en primera persona y en constante presente del indicativo demuestra así, no ser tanto un relato de ciencia ficción, si no de iniciación juvenil y aventuras. Y vaya aventuras más sangrientas. Battle royale de Kóshun Takami es una clara referencia  junto a otras más antiguas El señor de las moscas de William Golding o 1984 de George Orwell. Las tres obras tienen respetuosas adaptaciones. Así Los juegos del hambre también contará el 2012 que viene con su revisión cinematográfica; habrá que seguir su web.

Suzanne Collins escribe los continuará in crescendo haciendo la lectura dinámica y adictiva tras colaborar en canales infantiles como Nickolodeon, recibe la sugerencia de buscarse las habichuelas con la narrativa juvenil y se adentra con ideas como John McBottom o las cinco entregas de Gregor The Overlander en sus Crónicas subterráneas, aún no editadas en castellano.

Los adultos apestamos cuando damos la espalda a lo que más importa: los niños, que heredarán un mundo en implosión infecciosa y son los que de veras salvarán o condenarán al planeta por nuestros actos y no la conciencia errónea o el Arcángel Lucifer.

Deberíamos lavar nuestros pecados y condenar la idea de los juegos reunidos de la tele basura. No superpondríamos nuestro nombre, no es necesario, sólo echarnos una mano unos a otros. Seríamos Legión porque seríamos muchos. Sería inminente. (…)¿ Alguién más por aquí tiene que huir? Porque nos está dando unas ganas…

M.A.D. Gregor Alvarado

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• Una llama misteriosa

Un par de matrimonios discuten sobre la pelea que han protagonizado sus hijos, y que ha supuesto la desfiguración bucal de uno de ellos. Una premisa simple que sirve de excusa para analizar, en tono humorístico, las falsas relaciones sociales de la cultura occidental.

Estamos ante una puesta en escena efectiva y muy comercial, perfecta para asistir en grupo, e incluso en familia (padres, madres, abuelos y abuelas). Pues el humor directo, y a veces de sal gorda, cala en el público, sobre todo en el menos habitual de los espectáculos teatrales. Destacan muy positivamente los cuatro actores, que demuestran una complicidad inaudita, una frescura y una naturalidad sorprendentes. Especialmente si tenemos en cuenta que la dirección es un poco simple, de manera que, a mi parecer, le va a la contra al actor. Chistes apretados, situaciones cómicas alargadas, momentos demasiado infantiles, y actitudes estereotipadas. Cómo digo una propuesta un poco simple, pero sin duda efectiva.

La iluminación es tan sencilla que es perfecta. Un pequeño juego de luces mientras entra el público, y una luz general durante todo el espectáculo. La escenografía intenta seguir el mismo camino, pero si éxito. El minimalismo bello y muy bien acabado, pierde efectividad durante el transcurso de la obra. El espectador descubre muy pronto que en el escenario sólo hay los elementos que van a utilizarse en escena. Así que llega el momento que uno se pregunta. ¿Cuándo sonará el teléfono? ¿Cuándo abrirán ese libro? ¿Qué harán con ese jarrón de flores?

Pero el punto más débil del espectáculo es el texto. Un a comedia que intenta ser crítica, e incluso de denuncia, pero que se queda a medio camino. El espectáculo se centra en un humor sencillo, blanco y efectivo, pero en ningún caso crítico. No conduce al espectador a ningún sitio. Así que es normal que el público salga igual que ha entrado.

Eso si, si la gente se sumerge en el espectáculo va a disfrutar de una buena interpretación y de una hora y media entretenida.

Pau Plana

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• Un tipo serio
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• El duro verano televisivo (II): Hung.
• El duro verano televisivo (I)

Mientras esperamos la llegada global a los cines 3D de la adaptación de Tim Burton (& Family) retrasada por el longevo taquillazo de Avatar, repescamos una sorprendente miniserie de 6 números recopilada y traducida a finales del 2009.

Calie Liddle, la supuesta hija de la crecidita Alice (que pronto cumpliría 158 años) está también maldita con la misma divergencia mental materna, cae en la madriguera del conejo y huye gracias a la super-mamá. Pero la huída ahora les sale cara, no saben que lo pagarán con creces.

El origen de la locura nos llega en castellano gracias a Norma Editorial, pero el novedoso homenaje se revela desde la editorial norteamericana Zenescope, quién edita los Grimm Fairy Tales como una revisitación de los clásicos populares pero guíada por el mismísimo hijo del demonio, quién debe estar suscrito como uno de sus mejores fans.

Al guionista Raven Gregory no le falta de nada: introduce citas relacionadas con los libros de Lewis Carroll, se recrea con las múltiples referencias y nos da pistas ocultas, se ceba con la familia de Calie de forma sobrehumana y, aún así, sale bien parado del embiste artístico. El dibujante Daniel Leister, quien se muestra benévolo y más complaciente con nuestras retinas, nos recrea y estimula la imaginación.

Versión tan macabra que es clasificada sólo para adultos ya que los relatos son explícitos: el erotismo pronunciado y la violencia casi gore se plasman en escenas como las que encarna el Sombrerero Asesino o la energúmena Reina de Corazones cuando aclama poseída:

” -¡ A todos, que les corten la cabeza! Luego, cuando haya visto morir a su familia…cortadle la cabeza”

Pues sí, se ejecutan escabechinas. No hay leyes. Sangre. Hay indicios de drogas. Hachazos. Existen situaciones de tensión sexual. No hay más que discutir. No hay truco. Sodomización y zoofilia. Sólo falta algo de rock´n roll y ni una palabra más. Si queremos sobrevivir intentaremos no respirar. Como dijo el lobo borracho al ver a Caperucita: ” Jodé, puesh como cambia el cuento”.

M.A.D (Hatter) Gregor

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• David Heatley en Barcelona
• El Muro. Crecer tras el telón de acero, de Peter Sís (Norma Editorial)
• la balada de las landas perdidas
• Global Frequency

Esta revelación me linkó directamente a unos cuantos años atrás, en Palma de Mallorca, en la sala Bluesville, donde cada jueves (o casi) tocan los Wonderbrass. Un grupo del que algún día os hablaré, pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión. La cuestión es que, igual que en la isla balear, el sábado disfruté con la música, pero sobre todo me reí un buen rato.

Para empezar un poco de terapia con el Dr. Fargo (que en privado me confesó que no tenia nada que ver con la película homónima de los Cohen). Se trata de un cantautor, con nociones teatrales, que a veces interpreta a un doctor con los pacientes más extraños del planeta. En esta ocasión nos contó la historia de Mario Miraqueerestorpe (mirad el video). Ahí demostró un domino del lenguaje y un ritmo teatral digno de los monologuistas más celebrados. A partir de aquí la actuación fue en crescendo. Versiones de clásicos, y no tan clásicos, chistes e historias surrealistas, y una interacción con el público total. Un final de fiesta divertidísimo con toda la gente cantando y bailando una adaptación de YMCA, en ese caso IKEA, como es de suponer una critica a la mobiliaria más famosa del mundo.

“No creo que el siguiente cantautor supere al anterior” pensé. Me equivoqué. (Sin ánimo de ofender al Dr. Fargo, no se me enfade y siga leyendo por favor). Entró El sobrino del diablo. Para empezar le robó la guitarra a su antecesor. “Es que he olvidado mi acústica” (era verdad). Y luego empezó a contarnos un montón de historias reales o no, que incluso eran mejores que sus canciones. (Otra vez sin ánimo de ofender). Fue un sin parar, se metió con todo el mundo, pero con clase y sin faltar directamente (que dominio de la ironía). Cómo él mismo dijo se trataba de un espectáculo cultural en minúsculas, de alguien que no tiene ideología política excepto comer cruasanes.  Canciones dedicadas a Charlton Heston y su pasión por los rifles, bromas a elementos cómo Anna Torroja, Macaco, o Manu Chao. Crítica social, autocrítica, crítica política, crítica machista, crítica feminista, humor crítico y humor sin crítica. Y sobre todo humor musical. Que si los cursos para aprender guitarra por correspondencia, que si las cuatro únicas notas que sabían en los años 50 (sol, mi menor, re y do), que si links musicales en medio de sus canciones (des de Beatles hasta los Monty Python, pasando por los bombazos de los 40 principales). La verdad, humor inteligente.

Luego he descubierto que ha publicado 6 discos oficiales (más unos cuantos piratillas), ha participado en programas de televisión, y que es colaborador habitual en programas de radio. Así que en realidad acababa de descubrir a alguien que está más que descubierto. Pero mejor tarde que nunca.

La fiesta no acabó ahí, porque ambos cantautores nos dedicaron 30 minutos más de humor y música. Canciones dedicadas al despertar sexual, a salvar el futuro (de subjuntivo), a la anarquía en Jamaica y a meterse con David Beckham. Dolor de barriga de tanto reír (el exceso de cerveza seguro que no tenia nada que ver).

Una revelación blusera que os recomiendo, no dejéis de seguir la pista de estos dos gamberros.

Pau Plana

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• Un Déu salvatge
• Un tipo serio
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• El duro verano televisivo (II): Hung.

Un hermano que vive en casa, un hijo vago y ladronzuelo, una madre que domina todas las facetas de la casa y un patriarca bonachón que vive ajeno a los entresijos de su hogar y se dedica al pesebrismo. Si, todo esto, son ingredientes de una familia napolitana de antes de la II guerra mundial. Bienvenidos a la casa de Cupiello.

Una comedia, un sainete o como quiera llamarse, que De Filippo escribió hace años para regocijo nuestro. Ahora, La perla 29, con Oriol Broggi en la dirección nos la trae y la pone sobre un escenario en la Biblioteca de Catalunya.

Un espectáculo agradecido por todo cuanto tiene que decir, sin que ello sea motivo de preocupaciones metafísicas ni reflexiones especialmente densas. Una puesta en escena humilde para reflejar una casa humilde de los años treinta en una ciudad humilde, aunque con solera, que es Nápoles.

La dirección del espectáculo resultó excelente tanto en la disposición del escenarios (en el centro de la sala) como en la dirección actoral que cuidaron hasta el mínimo detalle los gestos, las miradas, las complicidades. Un excelente elenco actoral comandado por un excelente Pep Cruz, que borda el papel de patriarca y secundado por unos excelentes Bruno Oro y  Ramón Vila, amén de la excepcional actuación de Marissa Josa en el papel de la adorada Mamma.

En suma, un dramaturgo que se ocupó de la cotidianidad, un director a la altura y unos actores excelentes. Una excusa perfecta para ir al teatro a pasar un buen rato y ver una buena obra sobre el escenario.

Junior Galante

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Antes de que nadie se anime a comentar la película, y después de casi un mes deaparecido del blog, me gustaría hablaros de La carretera de Cormac McCarthy.

No saber es terrorífico, ¿no creen? No saber qué pasa, cómo y por qué han cambiado las cosas, quién es quién en el mundo, adónde nos llevará el mañana, e incluso qué es el “mañana”. En La carretera, novela escrita en 2006 por el estadounidense Cormac McCarthy y ganadora de un premio Pulitzer al año siguiente, nadie sabe qué pasa, ni el lector, ni los protaginstas. ¿Lo sabrá el narrador? ¿Y el autor? Mis dudas tengo…

No saber qué espera tras de una puerta o qué pasará cuando se haga de día es uno de los elementos básicos de todo relato de terror. En el cine funciona fantásticamente, te pegas unos sustos de aúpa, saltas de la butaca y te tiras las palomitas encima. En la literatura en cambio no hay gritos, ni efectos especiales que te pongan la piel de gallina. Pero sí hay misterios, datos que no son revelados al lector, si no más bien escondidos, los mismos que te asustan y te animan a seguir leyendo. Podemos decir entonces que los sustos del cine son los misterios de la literatura.

El autor de No es país para jóvenes, coetáneo de Don DeLillo y Thomas Pinchon, recrea un mundo apocalíptico donde las tierras están yermas, la vida parece haber abandonado el planeta y la humanidad está rendida a la perdición. No crecen las plantas, no es potable el agua y la gente se alimenta de los restos del pasado. Bajo esta apabullante realidad, sus dos protagonistas, un padre y un hijo, vagan por las carreteras de América intentando sobrevivir al día a día con lo que encuentran. No se fían de nada, ni de nadie y la única que ley que vale es la del más fuerte.

El estilo de Cormac es ya un símbolo de su literatura, directo, sin miedos ni tapujos. En La carretera los hechos se narran mediante un estilo parecido al de un diario, pero en una tercera persona aséptica y desconcertante. A este efecto le hemos de sumar la evidente y premeditada falta de información, y es que a veces los silencios parecen más importantes que los hechos. Esa falta de información es un problema/preocupación que comparten lector y protagonistas, pues ni tú ni ellos sabéis qué pasa, ni quién es quién, por lo que simplemente sigues leyendo del mismo modo que ellos siguen la carretera, pasan frío y hambre, desconfían y enferman. ¡Un 10 al autor por conseguir que el lector sienta lo mismo que los protagonistas!

Siempre he dicho que los zombis son para el cine, me encantan La noche de los muertos vivientes, Zombis Party, Braindead o Zombi. En cambio, nunca he disfrutado con su literatura, los cómics de no-muertos me parecen sosos (a excepción de The Walking Dead de Robert Kirkman) y los videojuegos mata-zombis me aburren. Ya sé que La carretera no es un relato de zombis, en sus no más de 200 páginas no sale ni uno, pero la sensación parece la misma: impotencia, claustrofobia y desconcierto. Sí, es cierto, no hay zombis pero podría haberlos y en ese caso sería el primer libro de zombis que me gusta y asusta.

Zombis, destino, incertidumbre, estilo… solo espero que todos aquellos que ya han visto la película y me hablan mal de ella, se estén equivocando, hayan perdido la cabeza y sea tan buena como lo es para mí el libro.

Fran Mínguez  –strikes back–

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Dark Avengers es una de las series más interesantes de este nuevo tinglado (landscape en inglés) que Marvel ha montado tras la Invasión Secreta. Lo es por muchas razones; primera, porque es una de las series donde se narran los principales acontecimientos del nuevo landscape; segundo porque al contrario que su serie hermana, Nuevos Vengadores, con un millón y medio de personajes y más centrada en aventuras y peleítas, ésta se centra en unos pocos personajes interesantes que se van desarrollando número a número; y, tercero, y quizá consecuencia directa de todo lo anterior, porque ésta vez a Brian Michel Bendis la jugada le ha salido fantástica.

Unos rápidos antecedentes. La invasión Secreta, ese evento lleno de alienígenas verdes multiformes e hiperpoderosos, puso a todos los héroes de la tierra en un verdadero brete. Traicionados, diezmados, infiltrados y con el principal bastión de la defensa de la tierra, Iron Man fuera de combate debido a no haber actualizado el Windows Polaris de su armadura, acabaron -cómo no- dándose de hostias en una descomunal batalla contra los bichitos verdes. En medio de tanto mamporro y tanto caos, Norman Osborn, antiguo Duende Verde reconvertido en jefe de de los Thunderbolts, acabó de un certero disparo con la reina Skrull, llevándose todo el oro y la gloria y por ende substituyendo a Tony Stark como jefe absoluto de toda la seguridad interna no se sabe si de los EEUU o de todo el planeta.

Por supuesto, Osborn, tiene sus propios planes sobre cómo gestionar la seguridad planetaria y lo primero que hizo al llegar al puesto es buscarse unos pactos la mar de majos con diferentes personalidades disidentes del orden burgués -Dr. Muerte, Namor, Loki, el Encapuchado…- prometiéndoles inmunidad total a cambio de su lealtad y buen gusto. En ésas estamos.

Vengadores Oscuros narra en estos primeros seis números, la creación de un nuevo equipo de Vengadores, probablemente la alineación más extraña que jamás hayamos visto con esta cabecera: los Vengadores de Norman Osborn. El equipo está compuesto por dos antiguos miembros de los Poderosos Vengadores, Ares y el Vigía,  lo más florido de los Thunderbolts disfrazados de famosos héroes, el propio Osborn con una de las armaduras de Stark, un lobezno que sale de por ahí, y un nuevo capitán Marvel que no sabe dónde se ha metido.

En estos seis primeros números, como en botica, hay de todo, bueno y malo, mediocre y excelente. Por un lado tenemos la continuación de una de las tramas que ya se hacía pesada en Poderosos Vengadores (recordemos que Poderosos Vengadores fue substituida por esta serie, algo así como Vengadores de Stark por Vengadores de Osborn) con el Dr. Muerte teniendo un affaire rarito con Morgana Le Fey y dándose garbeos en el tiempo con la soltura del Dr. Who, que en este caso nos servirá para ver avanzar la trama del Cónclave, la alianza entre los villanos antes citados. Mucha batalla, un concepto del viaje del tiempo que no entendería ni Philip K. Dick y algunas acciones interesantes de un par de personajes. Prescindible.

Por otro lado, tenemos la continuación de la dinámica de Thunderbolts, más que nada porque la mitad de los miembros de estos Vengadores son Thunderbolts reciclados. Ya se imaginarán, un montón de psychos, bestias caníbales y mala leche junta: gritos, hostias, traiciones, amenazas, y Osborn poniendo orden a base de personalidad y carisma. Personalmente -me consta que hay gente a la que le gustaba todo esto en Thunderbolts- me aburre y mucho. También prescindible.

Bueno, ¿entonces dónde está lo bueno?, se preguntarán. Esencialmente, en dos personajes, por un lado en El Vigía, personaje del que ya saben que está enamorado Bendis y que ha ido desgranando poco a poco en las páginas de primero Los Nuevos Vengadores, más tarde en Poderosos y ahora aquí. De todo lo que ha hecho Bendis con el personaje, quizá lo más interesante esté en estas páginas, debido sobre todo a la relación de confianza -auténtica y bien trabajada en el guión- que se establece con Osborn. ¿Quién puede entender mejor a un tipo con una psicopatía del tamaño de una torre Petrona que el maestro del comportamiento disfuncional psicopático, también conocido como el Duende Verde?

Y lo mejor de todo para el final. ¿El dibujo de Mike Deodato? Sí, también. Una verdadera gozada. Pero no, lo mejor es el propio Osborn. El personaje tiene el foco absoluto del Universo Marvel sobre él y la verdad es que Bendis aprovecha para tratarlo tal como merece. Un hombre ambicioso y enfermo, con ideas propias y subjetivas de cómo hacer funcionar ese nuevo mundo aunque acosado por el fantasma de la locura. Despótico, honorable, empático, inteligente y con ese increíble talento que tiene Deodato para los rostros, el antiguo Duende Verde y sus trajines se convierte en el motor de la serie.

Especialmente destacable es el número cinco de la serie, donde Bendis se nos marca la vacilada (aka tour de force) de mostrarnos una entrevista en exclusiva con Osborn que ocupa más de la mitad del cómic. Un tipo con corbata tras un fondo negro hablando y hablando en un cómic de superhéroes. Pero escúchenle: argumentos demoledores, una lógica implacable, un carisma casi palpable… Bendis quería dejar claro por qué Osborn ha llegado dónde está. Y lo demuestra. Sí señor.

¿Que si pueden vivir sin leer está serie y sin saber nada de este nuevo tinglado Marvel? Sí, claro, perfectamente. ¿Que si esta serie pasará a la historia? No, para nada. ¿Que si este tema de que el Universo Marvel evolucione, creando nuevos backgrounds para los personajes y generando así series más interesantes de lo habitual como estos Vengadores Oscuros puede ser lo más revolucionario que le haya pasado a los superhéroes en los últimos 10 años? Vaya, ahora sí que me han pillado.

David D. Domínguez.           lord-D@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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• Los Nuevos Vengadores Reunión
• Ultimate Power: Tortas, tortas, tortas… y un poco más de tortas.

La novela gráfica vende, especialmente entre el público que no es habitual del noveno arte, pero que quiere probar, o que quiere ser moderno, o que se lanza después de ver una película. La de casas que nunca habían tenido más que un Mortadelo (hay que levantarse ante este nombre) y que ahora también gozan de un ejemplar de Watchmen, de 300, de Persépolis… Eso sin duda es un buen empujón para la industria. Aunque también hay que denunciar las editoriales que presentan unos cuantos números de una serie en un solo tomo asegurando que es una novela gráfica.

No amigos, no. La novela grafica está pensada como tal, de principio a fin, como texto único e indivisible. Y así debe tratarse y leerse. Por buena que sea una serie (quizá mejor que muchas novelas), por bien editada que esté, por bonito que sea el tomo que la engloba, no deja de ser una serie, y cumple con su cometido.

La verdad es que las editoriales han encontrado un buen filón. Y nosotros nos alegramos. ¿Por qué? Porquée aparecen más títulos. Desde hace un tiempo empresas que tradicionalmente no habían tratado con el cómic, se lanzan a publicarlo. Curiosamente suelen elegir adaptaciones de novelas conocidas. Supongo que es una forma de asegurar el tiro.

Hace ya algunos años Anagrama, en su colección Panorama de narrativas (los típicos libros amarillos), nos trajo la adaptación al noveno arte de La ciudad de cristal. Esta novela de Paul Auster adaptada por Paul Karasik y David Mazzucchelli es una pequeña joya que todos los lectores de La trilogía de Nueva York deberían tener.

El año pasado Xavier Besse publicaba con Edelvives Tres cuentos de Poe en B/N. Se trata de un pequeño libro que ilustraba Manuscrito hallado en una botella, El gato negro, y El barril de amontillado. Un par de años antes Panini ya editó una buena adaptación de los cuentos de Poe bajo el título de La Guarida del horror. En esta ocasión firmaban Rich Margopoulos y Richard Corben.

Pero sin duda una de las adaptaciones más típicas es Frankenstein o el moderno prometeo. El año pasado aparecieron dos versiones, una editada en SM a cargo de Marion Mouse, y otra en Parragón Ediciones (del grupo Norma) firmada por Sergio A. Sierra y Meritxell Ribas. Y sólo un par de años antes Norma ya había presentado bajo el sello Made in Hell la a versión de Martin Powell y Patrick Olliffe. Nuestro monstruo preferido sigue dando guerra después de tanto tiempo.

La novela y el cómic cogiditos de la mano. Esperemos que este matrimonio dure muchos años más y que otras editoriales se animen y nos traigan más material. Nuestra hambre de lectura cada día es más voraz.

Pau Plana

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• Un hombre en la oscuridad

Malik El Djebena tiene 19 años cuando ingresa en una cárcel francesa para cumplir 6 años de condena que no sabemos muy bien porque le han caído. A la entrada protesta su inocencia al guarda que le recita las normas básicas, aunque éste no parece inmutarse, debe haber escuchado la misma historia muchas veces. Sin embargo Malik (interpretado por Tahar Rahim) no se asemeja en nada al resto de presos: cierto que su rostro tiene cicatrices, pero es un jovencito que no tiene ni el cuerpo o el carácter curtido, ni es malhablado como los otros. Un hecho que los otros olerán en un santiamén. No tiene amigos, ni familia, de hecho hasta su pasado parece un gran agujero negro. Si es un simple delincuente juvenil, no se vislumbra que haya extraído demasiadas lecciones de su pasada vida callejera.

Malik es pues presa fácil de quiénes imponen la ley en   prisión, los corsos, cuyo cabecilla César Luciani, interpretado por Niels Arestrup puede recordar a   Don Vito Corleone, en versión bestializada. La   prueba de fuego o iniciación a la violencia que le   impondrán le marcará, indudablemente, pero será   precisamente la víctima de esta primera misión quién   le   espetará, al ver que Malik es prácticamente un   analfabeto, que de la prisión tiene que salir habiendo   aprendido algo. Y vaya si aprenderá el chaval…   Absorberá como una esponja y luego aplicará las   lecciones extraídas, pero no se convertirá, aún y bordear el abismo, en otro Luciani. No perderá, vaya, su humanidad. Pero no os confundáis, no es un personaje con grandes aspiraciones o ideales, que quiera cambiar el mundo. Es difícil pensar que más allá de la leal amistad hacia su compañero, Ryad (Adel Bencherif) se mueva por algo más que no sea el instinto de supervivencia.

La posición de Malik no es nada envidiable: es el lacayo de los corsos, que son quiénes le “protegen”, pero calificar el trato que recibe de ellos, por el hecho de ser árabe, de malo es quedarse corto. Sin embargo los que supuestamente son “los suyos” tampoco lo tienen en mayor estima, ni él tampoco es religioso como ellos.

Pero Malik, que por carecer casi de identidad, parece, engañosamente a los ojos de los otros, tan maleable, acabará siendo verdaderamente independiente de los diferentes bandos que luchan por el poder, y se servirá de ellos. Sobrevivirá y se saldrá con la suya, porque él es el profeta. No es que se dedique a enunciar predicciones, bien se guardará de ello, pero será el primero que olerá por donde sopla el viento, lo que está a punto de acontecer, la caída de un viejo orden, el de los corsos, y el que se prepara para reemplazarlo.

Ligeia

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El barroco tapiz ideado por el escriba apesta a forzado hasta concluir esta etapa en la serie (en España combinada con Detective Comics de Paul Dini y Dustin Nguyen) con una traca final digna de compilar en un lujoso tomo. Las diferentes encarnaciones del encapuchado confluyen gracias al enorme calzador que usa Morrison desde las 52 semanas que el protagonista se ausentó de la escena principal y se entregó al ritual de meditación Thögal. Pero lo mejor está por comenzar, sobre todo al legar Gotham City en manos de sustitutos por su desaparición tras Crisis final.

El ambiente de la colección  con diferentes antecedentes a tener en cuenta es demasiado estresante, algo que ya le viene bien al dibujante Tony Daniel, colorido artista que incluso se atreve con los guiones de los tres números siguientes, La batalla por la capucha. Pero se le hace grande y se nos mostrará como el chico que nos trae la pizza: que no lo estamos esperando por su maestría pero es necesaria su eficiencia; exquisito ensamblaje. Aquí un botón. Lo dicho.

Al menos las portadas de Alex Ross compensan algo más el disgusto de desembolsar los 17 euros que cobra Planeta de Agostini. Un derroche para nuestros bolsillos.¿Vale la pena matar a un mito, morir por el fandom e ir al infierno como asesino por ello?

M.A.D! Gregor Alvarado

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