Que la cadena de televisión británica produce unas excelentes miniseries no es misterio para nadie. Ahí quedan como prueba la dedicada al personaje de Henning Mankell, Wallander, y la más excelente todavía dedicada a Sherlock Holmes, una revisión siglo XXI del personaje de Arthur Conan Doyle. Es por eso que, mientras combato algunos focos de resistencia a nuestro nuevo orden mundial y recibo el mensaje telepático al más puro estilo Luke Skywalker de nuestro gran aliado y mejor amigo D. servidor se afanó por ver dicha serie: Hidden.

La dificultad en este caso es que esta serie no parte de ningún lugar antes escrito por un autor con carisma con un personaje con carisma como es el caso de los anteriormente citados Mankell, Doyle, Wallander, Holmes ,si no que lo hace a partir de las premisas más manidas del género negro; un protagonista, abogado para más señas, con un pasado delictivo y oscuro, una mujer desconocida y fatal que le hace un encargo, unos tiempos revueltos en los que la violencia en las calles y la corrupción en los salones campa a sus anchas…en fin, que lo tiene casi todo. Pero todos estos tópicos no le impiden a Hidden desarrollarse con vida propia y tener una personalidad marcada. El personaje principal, Harry Venn, apunta a una especie de Mike Hammer londinense pero a medida que avanzan los capítulos va levantando vuelo con un rumbo propio hasta hacerse todo un caracter con sus virtudes y sus defectos, con todo un mundo interior y una red de contactos en la ciudad del Big Ben, autónomo de cualquier influencia que los guionistas pudieran tener a la hora de escribirlo. Y por encima de todo, es creíble.

La trama, que también parte del género negro, sabe aprovechar la situación político-social de país para tejer una red de influencias que parten de unos asesinatos supuestamente inconexos hacia una espiral que deriva del género negro hacia el trhiller político donde nada ni nadie queda exento de responsabilidades: el poder económico, el político y el mediático. A medida que avanza la serie y los tópicos van quedando atrás, la acción se va desarrollando entre la búsqueda de la persona a la que Venn tiene que encontrar y una trama horizontal alrededor de unos villanos que se van sucediendo, a cada cual más malvado, hasta llegar al cénit de la conspiración político-industrial-militar que, como no, nuestro querido abogado de las causas perdidas, medio borrachuzo y con pinta de canalla tendrá que resolver si quiere salvar su vida y la del reino unido, Dios salve a la reina.

Al servicio de todo esto, las más que interesantes actuaciones de la excelente escuela británica. Todo el elenco está cabalmente sobrio y en su sitio en todas las ocasiones pero cabría hacer una distinción especial para los actores que interpretan el papel del industrial James Morphet, Matthew Marsh y de su matón principal, Jason Styles interpetrado por Peter Guinness ambos impertérritos  en la encarnación de unos personajes rocosos, inextricables, bien diseñados desde el papel pero mejor llevados a la pantalla por la orientación que los actores hacen de ellos y de la dirección, sobria pero eficaz, que además sabe alternar escenas que en apariencia no tienen conexión con la historia pero que al final encajan como un puzzle sin que nadie se pierda por el camino.

Así pues, Hidden son cuatro horas de buen ritmo, donde al final pocas cosas son gratuitas y, si uno se sumerge en la historia, la inverosimilitud de algunas situaciones o su previsibilidad, y algún que otro cabo suelto, quedan tapadas  por las excelentes interpretaciones y en última instancia por una historia puesta al servicio de los tiempos que corren. Muy recomendable.

Junior Galante.

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La representación francesa llegó pisando fuerte: Capucine, o como un mono puede aprender el lenguaje cinematográfico, de Luis Nieto, mejor documental; The Monster of Nix, 30 minutos que nos muestran un homenaje  (o versión alternativa) al Cristal oscuro de la Jim Henson Company como mejor animación mezclando actores reales con acabados infográficos y dobladores de lujo: Terry Gilliam y el cantante Tom Waits; atención que Rosto el creativo artista promete y lo veremos triunfar, si no al tiempo; Pixels, o lo que parece un alegato a favor de los videojuegos de 16bits  y la invasión de sus pixeles, de Patrick Jean, como mejor obra experimental.

Y los galos también triunfaron en la ficción: Deux inconnus, o el misterio de las mentiras infantiles que siempre traen algo de verdadero de Loren Wolkstein, premio especial del jurado, Early Rising France el premio por la convivencia de Hugo Chesnard, y Grenoville d’Hivern, de Slony Sow con la bella Eriko Takeda que asistió los últimos días y Gerard Depardieu, obtuvo el premio del público.

Los mejores cortos españoles, para nosotros obvio, fueron estos tres:

Birdboy, de Pedro Rivero y Alberto Vázquez, obtuvo el premio al mejor corto inspirado en el mundo del cómic, concretamente en el Psiconautas de Alberto Vázquez. Además el genial La gran carrera, o un día en un antiguo hipódromo vasco con sorpresa incluída, de Kote Camacho, fue elegido como mejor corto español por votación del público con 1.000 euros; pero el mejor de todos, al menos por su antiético guión irreverente fue otro malagueño, Psicópolis, de Miguel Mérida, escrito por Andrés Lomeña Cantos se alzó como premio FNAC decidido por el público con 300 euros.

También fueron premiados con la Venus cuatro trabajos catalanes: el de ficción La fugida de Víctor Carrey, con un más que increíble guión, un desarrollo impecable y una premisa de comedia que sólo se puede dar en ciertos cortos con elevado trabajo de post-producción; el de ficción surrealista Intensitat, de Josep Bendicho premio a la mejor producción de Badalona; el conmovedor documental I per què nosaltres no? con unos intérpretes muy especiales que narran las dificultades sociales para encontrar pareja en los individuos con deficiencias físicas o psíquicas, es de Adrià Domingo, que obtuvo el premio a los valores humanos; y Siberia, de Dani Moreno, que consiguió el premio al mejor videoclip de los Tiki Phantoms.

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Antes de continuar, avisaré que no soy un gran entendió en música, más bien lo contrario. (Eso se lo dejo a mis compañeros de EUL). Me muevo básicamente por gusto, por mi percepción subjetiva. A demás, informo que vivo en Barcelona, concretamente en el barrio de Gracia, cuna de la Rumba catalana.

Visto así parece que cualquier grupo nuevo puede atraerme, debido a mi desconocimiento musical. También parecerá que tenga una debilidad especial por la rumba típica del barrio. Pues no es así. Ni lo más nuevo me gusta, ni nunca me he sentido especialmente atraído por los rumberos.

Pero como digo, lo grande de un grupo es que cambie tu concepto de la música. Que consiga que te guste algo que hasta el momento ni te hubieras planteado. Y ahí está El Senyor Sequâh, haciendo que me trague mis propias palabras, y que rectifique. Que me guste lo nuevo, y que adore su origen rumbero.

Este trío de Sabadell ha publicado su primer disco en la red (aquí las 12 canciones), y en breve aparecerá el CD físico, para los fans y los amantes de los extras (fotos, libreto, etc…)

¿Qué es lo que hace especial el grupo?

Lo primero que me impresionó fue la limpieza de las canciones. Pulcras y complejas al mismo tiempo. Eso que parece tan sencillo de hacer cuando no tienes ni idea, pero que debe ser complicadísimo. Nada de distorsiones, con los instrumentos perfectamente complementados entre sí, y con pequeñas sorpresas, ya sea en forma de cambios de ritmo, o con ampliación de instrumentos. Pero básicamente una melodía que fluye en los oídos sin esfuerzo para el oyente. Una música que te invade de la forma más tranquila.

En segundo lugar, las letras detalladas y muy trabajadas. Combinan un bilingüismo envidiable y rico. Son canallas, pero dulces, reivindican, pero no chillan, no pierden la fuerza en las formas, si no que ganan potencia con el estilo. No adoctrinan. Muestran sentimientos y pasiones. Y llegan, claras y bonitas.

La producción del disco es exquisita. Parece que el grupo lleve años registrando canciones. No es así. Pero está claro es que su pasado canalla y musical, pasando por todo tipo de formaciones y trabajos varios, les ha marcado. No querían hacer un disco con prisas, una presentación alocada. Así que este no parece para nada un primer disco, ya sea por lo cuidado que está o por el nivel musical. No lo sé.

Pero al descubrirlos pensé: A ver… ¿cómo sonaban los discos anteriores? No hay discos anteriores. Así que lo que me vino a la cabeza fue: ¡Dios! ¡Cómo sonaran los posteriores!

El Señor Sequâh

Myspace

Clip

Pau Plana

blatman@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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Little Children, Big Words, con un niño que de mayor quiere ser sádico, de Lisa James Larsson, fue premiado como mejor cortometraje de ficción, con 1.000 euros y  la estatuilla Venus; así mismo, con el premio a la mejor actriz, para Cecilia Milocco. El premio al mejor actor fue para el español Alberto San Juan, por su papel cómico en el enredo de El barco pirata, de Fernando Trullols.

Además, se alzó con el premio Europa el austriaco de ficción Sister, de Michael Rittmannsberger, suponemos por la sensibilidad del espectador ante las tragedias familiares; el canadiense de animación Alex et les fantomes de Eric Warin, mejor corto de deportes; y el inglés de ficción Transit, de Chris Roche, con mención especial del jurado. El premio a la mejor banda sonora original, para Veigar Margeirsson, por su labor en el corto mudo islandés In a Heartbeat o como una niña se sensibiliza a destiempo, de Karolina Lewicka.

El premio al mejor cortometraje sobre derechos humanos fue para el musical belga Na Wewe, que nos hace replantear el concepto de las fronteras, de Ivan Goldschimdt.

El triunfador fue el documental sueco Tussilago, de Jonas Odell, donde se explica como la que fuera antigua novia del terrorista alemán Norbert Kröcher fue arrestada después de éste por planear el secuestro de la política sueca Anna-Greta Leijon en 1977.

Esta 37ª edición del Filmets Badalona Film Festival batió su récord: 13.876 espectadores. El jurado estuvo compuesto por la productora Verónica Vila-San-Juan, la directora Anna Solanas, la directora de programación Clara Doucet, Roland Nguyen responsable de cortos en France3 y el crítico cinematográfico Joao Garçao Borges.

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Las similitudes con una obra de teatro son más que evidentes. Para empezar, el texto de McCarthy es una obra de teatro que compuso hace unos años y que adapta personalmente para la pantalla de la cadena norteamericana con ocasión del proyecto que Tomy Lee Jones y Samuel L Jackson interpretan en un tête a tête impresionante y muy conmovedor. La acción, se desarrolla en un pequeño apartamento de un barrio suburbial de Nueva York, donde el personaje que encarna Jones, un cínico profesor que pretende suicidarse y el que intrerpreta Jackson, un conserje creyente de Dios que le salva la vida, se dan cita para discutir sobre el propósito de la vida, la sociedad, la religión y la llegada imperdonable de la muerte.

A lo largo de la algo menos de hora y media de cinta, McCarthy, autor de la felizmente reseñada, The Road, y de No country for old men,  pone en boca de sus personajes toda una retaila de reflexiones que van más allá de la opinión que puedan tener sobre el suicidio. Una suerte de combate donde un ángel oscuro, Jones, y un ángel blanco, Jackson, intercambian golpes sobre la sociedad, la educación, la religión y en conclusión sobre la naturaleza del hombre, sus anhelos y sus esperanzas. Un combate donde no sólo reciben los contendientes, si no que también los espectadores trasladando la angustia vital de uno y de otro hacia el otro lado de la pantalla.

Pero, además de haber un trabajo dramatúrgico excepcional, The Sunset Limited, también es un ejercicio actoral magnífico. El que escribe puede presumir de haber visto a Samuel L. Jackson en infinidad de películas pero en ninguna tan brillante como en ésta. Comedido cuando toca, y liberado en algunas parcelas de la película es el eje sobre el que se vertebra el filme, alternando magistralmente su papel de interlocutor  con Jones quien, a su vez, se muestra absolutamente derrotado, confiado a su papel de personaje derrotado por la vida, sumiso ante el discurso de ese hombre negro que lucha con todas sus fuerzas por agarrarse a su esencia vital, vehiculada a través de sus creencias, hasta que explota y culmina en un final apoteósico donde el actor  protagonista de ofrece una interpretación genial a las palabras de McCarthy.

Excelente también la dirección a cargo del propio Jones, consiguiendo un ambiente intimista, nada sensiblón pero si efectivo,  manejando los tiempos, y los símbolos, templando el ritmo de la película, alternando momentos de ternura con momentos de una extraordiaria dureza, donde más allá de lo que ocurre en ese apartamento, los personajes parecen dirigirse a los que miramos, interpelándonos acerca de lo que hacemos, lo que pensamos, lo que creemos y el sentido que tiene todo esto. Por qué si de todos modos vamos a morir, o, si todo es perecedero, ¿para qué vamos a esperar 60-70-80 años? Por qué no ponerle fin antes y acabar con el sufrimiento?

Al final del combate no se sabe quién tiene razón pero…¿qué importa eso?

Junior Galante

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Se trata de una idea del propio Miyazaki, padre del estudio, pero escrita por Keiko Niwa, y dirigida por Hiromasa Yonebayashi (que se estrena con este film). Es una adaptación libre de The Borrowers, novela escrita por Mary Norton, la misma que creó hace ya muchos años La bruja novata. La idea es la misma que dio pie a la serie de animación ochentera de Los diminutos, y las dos series y la película de los noventa The Borrowers. Pero la verdad es que a parte de la idea inicial, estas series y la película no se parecen en nada a la visión del Estuidio Ghibli. Los capítulos ochenteros contaban las aventuras trepidantes de una familia entera de diminutos, que luchaban contra distintos malvados. En la versión japonesa lo importante es el mundo de los diminutos, y la relación que tienen con los pocos humanos que les han visto. Aquí los enemigos no son tan malvados (quizá sí, pero de otra forma). El auténtico enemigo es la muerte, tal cual. El fin. El exterminio. El miedo que tienen todos los personajes a desaparecer. En realidad, el miedo que tenemos todos.

Pero este miedo, esta historia que podría estar contada de manera dramática, se nos presenta poéticamente con unas imágenes de una belleza desbordantes. Todo tiene un punto positivo. El drama no parece tal. Aunque es verdad que quizá roza la ñoñería. Pero aun así, aunque todo tenga un toco demasiado sentimental, aunque los personajes sean demasiado planos, se agradece este pequeño oasis de belleza en medio de la cartelera.

Debería mencionar también la banda sonora, que en Japón se ha convertido en un fenómeno de masas, quizá por la composición o por la excelente voz de Cecile Corbel. La verdad es que es efectiva, delicada y preciosa. Pero eso es como no decir nada, ya que este estudio nos tiene muy mal acostumbrados con las habituales composiciones de Joe Hisaishi.

Sólo cabe esperar que el film se edite en DVD, ya que parece que en nuestro país este tipo de películas tienen mejor salud en casa que en el cine. Es de agradecer que podamos acceder a ellas, como mínimo así, pero les puedo asegurar que no puede compararse el visionado en el sofá con el de la pantalla grande. Pero como ya he dicho la industria es así. No hay que darle más vueltas.

Arrietty y el mundo de los diminutos

Trailer

Estreno: 16 de setiembre de 2011

Dirección: Hiromasa Yonebayashi

Guión: Keiko Niwa

Pau Plana

blatman@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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Políticamente incorrecto es poco. Salvajismo mental con asalto a mano armada de lápices. Gags corrosivos en tira cómica que nos sacuden con estampida de referencias. Viñetas abrasivas que van de la retina hasta la garganta para atravesarla con crueles carcajadas. Nos da ganas de ser más y más malos. Muy malos…

Como punto de referencia debemos resaltar  su excelente página web, con la que intenta dominar el mundo. La primera obra en publicar oficialmente fue la parodia de la serie de TV Heroes: Almost heroes (Medea). Y ya sobrepasó ese nivel con sus múltiples proyectos posteriores. Colaboró con numerosas páginas web lo que le sirvió como trampolín a trabajar con Dolmen, eljueves y con Norma Editorial desde el 2006 en su Dibus! mostrando su faceta más didáctica e inocente.

Acaba de publicar su recopilación personal con algunos de su mejores momentos para el recuerdo. Las secciones Gaviotas, Furor ochentero. Geek island, Gaviotas ( vs.) Superhéroes, y lo peor de su humor ( lo mejor para nosotros) con Zumbaos, Mariquita-man, Estado civil soltero y rematar el libro con sus polémicos Platos combinados. Risas hasta la última página, en la que precisamente se sale.

Animal silvestre en cautiverio voluntario, la nueva mascota se infiltró en nuestras camas ofreciéndose complaciente para línea de guerra gráfica en un nuestro plan de dominación mundial y aportó simpáticas caricaturas para la web y para nuestras famosas camisetas.

Nos cuesta mucho reír pero más nos cuesta reconocer la zoofília. Sin permiso de su mujer ( pero siempre a sus pies, Sra.) y concluyendo en que es usted un animal, se lo vamos a pedir formalmente: cásese con nosotros, Sr. Gizmo, queremos comprobar lo que seguro pasa si en la noche de bodas come después de las 12 y desarrolla su personalidad digamos, más rara… Qué c…? ¿Quién es más raro?¿Nosotros?¿Sóloporquehablamosenplural? Seguro que juntos haremos lo peor. Por favor conteste: redacción@esunalocuraperopodriafuncionar.com, como le escribió Cels Piñol:

Al ” claro que conozco” a Bonache y a su secuela “es un tipo genial en persona”, se une el “pero qué bruto es”. Bonache es como un niño travieso con el que te encariñas porque piensas: “si fuera normal, no nos los pasaríamos tan bien (…)

Chistes como el Oso caníbal o el momento piñata convierten a Bonache en un instant classic”

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El huevo frito nos servirá como excusa para idolatrar, acusar e invocar lo que nuestra sociedad nos impulsa a realizar sin nadie a quien culpar de ello: nacimos enseñados a facturar pero no a producir, a gastar, a crecer inmaduramente y con el ego subido, a comprar con acuse de recibo, volver a gastar y quemar.

Pero todos, por poco que sea, desarrollamos una pizca de personalidad, y con ella sueños y frustraciones limitadas al tamaño de la jaula de nuestro gallinero.

El texto de la obra, gracias a su involución emocional, nos lleva hacia el sentimiento primigenio de autorrealización con referencias que van desde la religión hasta la base de la cadena alimenticia, desde los temores personales hasta el vampirismo social actualmente hiperextendido por las redes sociales.

Su puesta en escena uniformemente parca sirve para sobresaltar un texto que llega hasta el conflicto general sin evitar escupirnos antes en los propios ojos, reconociéndonos en el reflejo de los clichés de algún personaje.

El atrezzo es el que vemos en las fotos promocionales: el más cómodo para la realización de numeros músicales y generoso para los que practicamos el voyeurismo cultural.

El agradable acolchamiento acústico es un solo de piano en directo con una ingente monopieza, interpretado por la misma Marta Binetti.

El impulso de la nueva compañía de teatro Los Quías, nace en Barcelona en abril de este año. Cuenta con ocho intérpretes bajo la dirección de Marta Binetti ( La Plata, Argentina). Ella es poeta, coreógrafa y compositora. Después de estudiar entre otros con Merce Cunningham y Martha Graham, Marta Binetti fundó su propia compañía Awar Tanztheater en Munich (1982-98).

Fusilad a  los relojes, apadrinad un villano y reivindicad la V de Vergüenza. Los Dioses nos salven de que la censura se instale en Internet: Mad!Gregor redacción@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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La película abandona poco a poco el biopic y nos cuenta la historia de amor de Stuart y Astrid, que van olvidando la vida roquera y se centran en su lado más artístico. Él se dedica  a la pintura y ella a la fotografía. Ambos dejan a John, Paul y George a un lado, dejando también así pasar la oportunidad de su vida.

No es de extrañar que cuando descubrí Baby’s in Black me lo comprara sin pensarlo. Al fin y al cabo cuenta la misma historia, pero des de otro punto de vista, el de Astrid. No el de una banda que quiere comerse el mundo a mordiscos roqueros. Aquí vemos a una chica con inquietudes artísticas, que descubre uno de los grupos más importantes de la historia antes que nadie. Una chica que se enamora de Stuart. Una chica que, junto a su amor, cambia la forma de entender la vida. Una chica que se enfrenta sin saberlo a un drama.

He devorado las más de 200 páginas del cómic en apenas una hora. He engullido las viñetas preciosas, el estilo entre claro y naïf, y la narración sencilla. Me he dejado llevar por la historia de amor. En realidad me ha pasado cómo cuando vi Backbeat. Seguramente no he profundizado lo suficiente en el guión, ni en el estilo visual. Lo he digerido todo demasiado rápido. Pero me ha gustado. Y estoy seguro que si vuelvo a leerlo (esta vez con la estupenda banda sonora de la película de fondo) me volverá a pasar lo mismo.

Baby’s in black. La historia de Astrid Kirchherr y Stuart Sutcliffe

Guión e ilustración: Arne Bellstorf

Ediciones Sins entido 2011

Pau Plana

blatman@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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Hay gente que utilizaba los documentales de la 2 para echarse una plácida siestecilla, cosa que creo que no es sólo perfectamente lícito, sino muy recomendable para la salud mental. Pero con Frozen Planet no vais a poder cerrar los ojos, hasta la boca se os va quedar constantemente abierta de admiración, incredulidad y suspense.

El resultado es simplemente perfecto: la narración te mantiene en vilo de principio al fin, las imágenes son espectacularmente bellas y las historias te enternecen, te emocionan y te entristecen también, porque hay denuncia en Frozen Planet: la denuncia de un mundo que está en peligro real por culpa del cambio climático.

La serie documental producida por la BBC tiene 7 episodios; en el Reino Unido ya han emitido 2 episodios y han sido un éxito total de crítica y público. El incombustible David Attenborough es el narrador, con sus 85 años se fue a los dos Polos a pasar el fresco un rato. Obviamente él no formaba parte de los equipos de rodaje. Otro aliciente de esta serie es que descubre las asperezas, peligros y la santa e infinita paciencia que han tenido las personas implicadas en el rodaje. Y su complejidad: en cada capítulo, hay una segunda parte que muestra cómo obtuvieron las imágenes que hemos visto en la primera parte, y como en ocasiones estuvieron al borde de la locura o la muerte para obtenerlas.

David Attenborough

La acción se desarrolla en los 2 polos, el Ártico y el Antártico. Sorprende cómo estos desiertos de hielo pueden contener tanta vida, sin embargo es una vida al límite, y se desata pues una lucha inclemente para la supervivencia entre todos sus habitantes, sean residentes permanentes u ocasionales. Vemos entonces la técnica en grupo de las orcas para cazar, o las batallas que debe afrontar un oso polar contra el resto de machos que persiguen a su hembra. Hay sin embargo también momentos enternecedores, por ejemplo cuando el patoso albatros consigue finalmente volar y hacerlo majestuosamente.

El ojo de la cámara recorre estos inhóspitos lugares durante todas las estaciones, y así se dividen temáticamente algunos capítulos. Las imágenes nos muestran como, llegada de la primavera, colosales bloques de hielo se funden con el mar, y presumiblemente como se vuelven a formar.

Para aquellos que disfrutasteis con Blue Planet y Planet Earth no hace falta que diga más; y para los que no, simplemente mirad el tráiler.

Ligeia

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