El libro de Kells es uno de los tesoros más importantes de la cultura irlandesa. Se trata de un manuscrito fechado a finales del siglo VIII y principios del IX, con unas ilustraciones increíbles por el detallismo, la riqueza visual, el avance a su tiempo y la precisión. Es una obra de arte única, que aún se conserva íntegra (excepto la cubierta) en el Trinity Collage de Dublín.

La película nos cuenta las aventuras de Brendan, un joven monje que vive en el pueblo de Kells, junto con su tío, el abad, y sus monjes hermanos. Pero en esta época los monjes no pueden dedicarse al estudio o a la meditación, pues la amenaza de los viquingos está al acecho, así que todos, sin excepción, deben dedicarse a la construcción de una gran muralla. Pero la llegada de un nuevo monje, el hermano Aidan, y de un libro inacabado, revoluciona la vida de nuestro protagonista. A partir de este momento Brendan se adentrará en el bosque que rodea la abadía, descubrirá los secretos más mágicos de Irlanda, y se obsesionará por acabar de escribir, o mejor dicho ilustrar, el libro.

El argumento es sencillo, e incluso tópico: Viaje iniciático de un chaval que debe asumir sus responsabilidades, plantar cara al terror, y luchar por sus propios intereses. Aunque lo que Fabrice Ziolkowski (guionista) quiere contarnos en realidad es su pasión por el libro de Kells, y cómo un libro que parece emanar luz pudo ser creado en una época tan oscura cómo la que llevó a los viquingos a las tierras irlandesas.

Aun así la historia es un poco floja, en ocasiones demasiado infantil, cómo dedicada al público más pequeño, y en otros momentos demasiado compleja para niños de menos de 25 años. Por no hablar de los momentos de terror o crueldad, que alimentan las pesadillas de cualquier chaval. Por otra parte, algunos personajes son muy entrañables: el hermano Aidan, la enigmática Aisling, el felino Pangur Ban…

Pero lo que realmente hace grande esta película es la estética, la ilustración, el diseño de personajes, de ambientes y de localizaciones. Todos ellos parecen vistos a través de un prisma calidoscópico. Lo que más sorprende es la unión perfecta entre la sencillez de los personajes, y la complejidad detallista de los fondos.  Cómo ejemplo la sala donde vive el Abad: oscura, llena de preciosos garabatos blancos por las paredes que contrastan con el propio personaje, diseñado con sencillas líneas rojas.

En medio de un mundo dedicado a la animación en 3D, al perfeccionismo y al realismo del dibujo, Tomm Moore y Nora Twomey (directores del film) apuestan por un tipo de ilustración distinta. La película combina la animación tradicional con la del ordenador, pero no sé queda ahí, sino que además crea un mundo que combina la sencillez de los dibujos tipo Flash, con el detallismo de las ilustraciones medievales. La verdad es que en todos estos años yo aún no havia visto nada igual.

Aún así la sorpresa definitiva te la llevas al llegar a casa cuando, envuelto en la pasión de estos irlandeses, buscas en Wikipedia las ilustraciones del famoso libro de Kells. En ese momento descubres que la mayoría de dibujos que tanto te han gustado de la película, los que considerabas modernos, rompedores y demás,son copias exactas de los del libro. Así que se te quedas la boca abierta y piensas “Soy un inculto. No tenia ni idea de la existencia de este libro” Y luego te das cuenta de que has visto una buena película, pues estos tipos te han transmitido su pasión.

Pau Plana

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Suculenta la herencia que legó el escritor injustamente ejecutado. El poemario que consagró al maestro granadino Federico García Lorca es tan tentador de reinterpretar como un jugoso cruce de miradas. Sí, como el de la foto. Flamenco! es un espectáculo que muestra un bocado de la época republicana española invitando a que la música hable y la poesía baile. En libertad.

En el musical de facturación argentina el poemario de Federico García Lorca cobra vida con el cuadro completo de músicos y el ballet flamenco “Palma y tacón“, incluyendo a los españoles Montse Ruano como cantaora sobresaliente y al excelente bailaor Iván Carrilo Jimenez. Tremendos. Y con mucho duende.

El espectáculo está repleto de estrellas brillantes que destacan su resultado. Perlas como la voz desgarrada del cantaor Basilio Cádiz, el suave violín de Lisandro Pejkovich, y la presencia de los veteranos actores con renombre Dora Prince y Juan Carlos Puppo, que a buen seguro trajo repercusión mediática y más afluencia del respetable.

El trabajo de las bailarinas merece un notorio punto y aparte. Las bailoras Sol Roldán, Laura Guastini, Mariela Rodriguez, Argelia Perazzo, Camila Donato y Nataly Cabrera merecen estar en el templo de artistas convertidas en embajadoras de la cultura flamenca. También están Yamil Rabaj y Juan Naranjo como bailaores, y Jorgelina Amendolara y Claudio Arias como primeros bailarines.

Destaca, insistimos, el violín y la segunda guitarra rítmica como innovación en su conjunto. Los músicos Mariano Martos al bajo y Juan Romero al cajón completan el cuadro flamenco, dirigidos musicalmente por el guitarrista Rodrigo Gonzalez.

Mezclando fragmentos del maestro trágicamente engañado hacia la muerte, se nos muestra“La Casa de Bernarda Alba”,”Romance de la pena negra”, “Yerma”,”Prendimiento y muerte de Antoñito el camborio” “La guitarra”, ” La cogida y muerte”, “El baile”y “Bodas de sangre”.

No debemos limitarnos al purismo, sólo delimita el goce del trabajo que aguarda redención. La evolución natural del arte es la fusión, crear un mestizaje de disciplinas, brotes en  un cruce de caminos readaptado a las nuevas tendencias que en el siglo XXI encontramos como show hipertransitado de dispares personajes.

¿Nos fusionamos?

M.A.D Gregor

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Lo primero es lo primero y Rubicon es un producto acogido con agrado y hasta con expectación porque toca uno de los géneros -y no es que haya muchos- que apenas ha rozado la nueva ficción norteamericana: el thriller político. Sólo por este dato, muchos ya teníamos los dientes largos cual conejo de la Warner, aflicción que empeoró después de que la cadena lanzara en junio una espectacular premiere que nos ha dejado a todos en ascuas hasta este agosto donde se retomó la emisión de la serie.

El problema -y también la virtud, por supuesto- es que AMC, la cadena que emite Rubicon, se ha autoimpuesto emular a la grande entre las grandes -sí, claro HBO- y sus productos son cada vez más y más parecidos a los de ésta. No en vano, Breaking Bad y Mad Men, son algunos de los grandes éxitos de los últimos años. ¿Y dónde está el problema entonces? Pues que si ustedes recuerdan algunas de las mejores series de HBO, pongamos por ejemplo Los Soprano o The Wire, tenían un ritmo tan particular y tan endiabladamente lento que era difícil juzgar nada hasta acabar la primera temporada. Bueno, en el caso de The Wire, igual hasta el final de la segunda. Pues bien, eso es justamente que lo sucede con Rubicon. O hablando en plata, que llevamos media temporada y no nos hemos enterado de una mierda.

Y, bien, entre lo que aún no sabemos y lo que no les podemos contar para no reventar lo poco que sabrán ustedes durante los primeros capítulos, pues el párrafo habitualmente dirigido a explicar brevemente la sinopsis del producto va a quedar bastante pobre. Pero que no se diga. Rubicon explica la historia de Will Travers (James Badge Dale, al que pueden haber visto en The Pacific, entre otras) un joven y brillante analista del API, American Politics Institute, que de una noche a la mañana se ve ascendido a jefe de equipo de análisis porque su jefe, prácticamente un padre para él, ha sufrido una desgraciado accidente.

Cabe decir, a su vez, que el día anterior Travers había tenido a bien contarle a su jefe que había descubierto ciertos mensajes en clave que se obtenían al cruzar los diarios más importantes de los EEUU. Y a todo eso cabe sumar que aunque se vayan a pasar varios capítulos sin saber qué demonios es ese American Politics Institute, si van a tener claro que en su interior se hacen análisis de inteligencia y que cuentan con datos fresquísimos marcados con iniciales de sobra conocidas, FBI, CIA, NSA… Sí, efectivamente nuestro héroe es un analista de inteligencia que no trabaja para el gobierno de los Estados Unidos.

Dicho esto. Buenas interpretaciones, dirección estilizada e inteligente, y una narración que avanza a cuentagotas. Poco a poco iremos sabiendo qué le sucedió al jefe de Travers, la vida personal del equipo de análisis, y también qué demonios está pasando en esta serie y dónde está la conspiración global que nos venden en el título y que sólo somos capaces de intuir.

Por ahora, Rubicon es una promesa. Sus personajes, aunque solventes y creíbles, no tienen la potencia suficiente para sostener el drama. Todo el peso de la apuesta recae sobre la trama conspirativa y la capacidad de sus guionistas de gestionarla correctamente. Hacerla avanzar a su ritmo justo, sin adelantar más de lo necesario y sin estancarla nunca. Ahí es donde se la juega esta serie. Y si quieren que les diga la verdad, en estos momentos no las tengo todas conmigo de que vaya a conseguirlo.

David D. Domínguez.       lord-D@esunalocuraperopodriafuncionar.com

OTRAS RESEÑAS DE RUBICON EN: Asesino en serie / La palomita mecánica /Crítica y cine.

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Le eché el ojo hace mucho tiempo, me leí el primer número y me pareció original, y pensé… deja que se acumulen las páginas que lo disfrutarás el doble. ¡Y no me equivocaba! Hoy mismo he terminado el segundo volumen de Chew, en yankie, una serie de cómic USA escrita por John Layman y dibujada por Rob Guillory (dos casi novatos del medio) que narra las extrañas aventuras del agente federal de la división de crímenes especiales, Tony Chu.

Las dos premisas que hacen grande a este cómic son la extraña habilidad que tiene su protagonista y la inverosímil situación que vive el planeta. Me explico, Tony es cibópata, es decir, que recibe impresiones exactas y datos concretos de todo aquello que muerde, mastica y se traga. Por lo tanto, no nos extrañará verlo mordiendo el brazo de sus enemigos para conocer sus puntos débiles; probando unas gotas de sangre de una escena del crimen para descubrir su procedencia; o incluso pegándole un bocado a un cadáver en descomposición solo para saber qué ha pasado con él. Vamos, es el agente soñado de Grissom u Horatio.

Y el planeta, ¿qué le pasa al planeta? Pues en todo el mundo, por orden de los EEUU, está prohibido el pollo, dado que sus servicios de inteligencia creen que la gripe aviar ha sido la culpable de una pandemia que ha acabado con la vida de millones de personas. Ahora, Tony y la policía trabajan persiguiendo todos los delitos relacionados con el pollo y su incipiente mercado negro, y la gente, en su mayoría, no se cree las monsergas del gobierno de los EEUU y empieza a levantar la voz en contra de su absurda prohibición.

Para los que no lo hayan advertido, la trama y los personajes del cómic son absurdos, divertidos y derivan en situaciones realmente desternillantes. Y no solo el prota, si no los secundarios, desde el jefe de policía que odia a Tony y le hace morder todo lo que puede simplemente para fastidiarle (con la excusa, claro, de que hay un crimen por resolver), hasta su carismático y fortachón compañero Mason o la extraña crítica culinaria Miss Mintz. Para rematarlo, y esto ya es muy subjetivo, el dibujo acompaña perfectamente al guión, es moderno (pero no sobrado), detallista, muy agradecido y con un toque humorístico que anima a leerlo.

En cuanto a la actualidad más rabiosa, comentar que durante la pasada ComicCon de San Diego se anunció que Chew será adaptada en breve a televisión (en formato serie) por el mismo equipo que ya prepara la serie de Los Muertos Vivientes (también de Image y Planeta).

No os desvelo más cosas, simplemente os animo a comprarlo o pedirlo prestado, y devorarlo de la misma forma que Tony hace con las pruebas de sus casos.

Fran Mínguez, recuperando los posts perdidos.

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Estaba en Toronto, Canadá, de vacaciones junto con mi pareja, pocos días después de la absurda y más que vergonzosa reunión del G8. Hacía un calor horroroso y el mejor plan para pasar la tarde era acudir a una fresquita y acondicionada sala de cine a comer palomitas y dejar pasar el rato. Además, relativamente cerca del B&B donde nos alojábamos proyectaban Exit through the gift shop, la primera película-documental del polifacético streetartist Bansky. La sopresa, más allá del documental en sí, fue la sala: un cine pequeño, de los de antes, regentado por una pareja de italocanadienses y aparcado en un mundo que quizás ya no tenga cabida en nuestra realidad, el del cine de barrio. No había aire acondicionado, pero la experiencia resultó más fresca que un multucine de un mall cualquiera.

Banksy es el pseudónimo de un arstista británico del graffiti cuya identidad es todavía desconocida. Es mundialmente conocido por sus obras en Londres y otras ciudades británicas en contra del sistema, la policía, la Reina y cualquier otro poder fáctico establecido. Aunque ha “decorado” con su peculiar estilo y su aguda ironía las calles de otras ciudades como Barcelona y Los Ángeles, su trabajo más internacional fue en las paredes del muro (de la vergüenza) de Palestina. Actualmente sus obras se subastan en galerías tan importantes como Sothesby o Christie’s en contra de su opinión e incluso los gobiernos municipales destinan recuros a la conservación de sus obras.

Exit through the gift shop es la primera película-documental de este artista. Desde la oscuridad de lo que parece su estudio de trabajo, con el rostro protegido por la sombra de su capucha, una luz directa sobre sus manos de artista y su careta de gorila como único e indiferente acompañante nos explica la vida de Thierry Guetta un desconocido para la mayoría de nosotros. Este curioso francés afincado en Los Ángeles es un aficionado a grabar compulsivamente a los streetartists que va conociendo. Primero a su primo, conocido como Invaders y después a Shepard Firey, el mismo que firma la mítica imagen azul y roja de un por aquel entonces aspirante a candidato demócrata a las elecciones de EE UU, Barak Obama. Através de uno y otro llega hasta Banksy, lo graba mientras trabaja y recibe el encargo de hacer una película sobre todos los artistas que ha acompañado. Unos meses después, y dado lo tremendamente mala que resulta ser, se decide a realizar sus propios grafitis y homenajes, creándose un nombre primero, Mr. Brainwash, y lanzándose al estrellato después, al fundar y liderar la primera galería de streetart de Los Ángeles.

Pocos meses antes de ser estrenada en el Reino Unido, se presentó en el Festival de Sundance bajo la curiosa etiqueta de “the world’s first street art disaster movie” y consiguió atraer el interés y el beneplácito de su experimentado público. Pero este documental no será recordado por algo tan sencillo como “cervezas, graffitis y carreras delante de los polis”, sino por la crítia en contra de la comercialización y mercantilización que está padeciendo actualmente el streetart. Una crítica que se ve reflejada directamente en la figura de su personaje principal, Thierry Guetta, un Don Nadie que de la noche a la mañana pasó a firmar la carátula del último disco de Madonna, Celebretion.

Os dejo con la web y el trailer para acabar de convenceros.

Fran Mínguez

http://www.banksyfilm.com/

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Al fin la industria de Hollywood se postra a nuestros pies. Al fin, tras centenares de miles de años de trabajo en pos de la dominación mundial, la humanidad se rinde a nuestras hazañas. Ha pasado ya la hora del héroe. Aunque queden por venir películas sobre esos apestosos boy-scouts de medio pelo (¿Qué demonios piensan que el mundo se arregla deteniendo a atracadores de banco? ¡Lo que tendrían que hacer es detener a los banqueros!) como Thor o el Capitán América, el cambio de tendencia se ha iniciado ya. Ya lo vimos con nuestro nunca suficientemente admirado Dr. Horrible, pero ahora  llegan ya dos largometrajes sobre supervillanos. Es nuestra hora. Sí señor.

Pues ya han conocido a Gru. La apuesta de Universal en lo que a villanos se refiere. Su estreno está previsto para el 8 de octubre y hasta entonces esperaremos qué tiene que ofrecernos el bueno de Gru. Desde EUL se nos antoja un poquito blandito -vamos, familiar- porque las malas lenguas hablan de que cuida huérfanos y esas cosas. Todo un desmérito para cualquier villano que se precie. Pero también es cierto que tiene un ejército de minions (que recuerdan -y mucho- a los adoradores del verdadero Dios) y, qué diantres, ¿quién no querría un ejército de minions? ¿Y la base de Vector? Por favor, ¡cuántos cambios nos quedan por hacer a nuestro cuchitril submarino para llegar a esa bella eficiencia? Pero, discúlpenme, dejémonos de reformas y pasemos al villano número 2.

¿Se han quedado con ganas de más? Ya, nos lo imaginábamos. Además, ¿qué es un villano sin una némesis como dios manda?

Pues sí, éste es Megamind. Del hermandad del mal de Dreamworks. Se ve una apuesta mucho más sólida en lo que a reflejar la maldad se refiere. Un buen origen secreto, quizá algo tópico es cierto, pero, ¿qué seríamos los villanos sin tópicos?, y con un buen archienemigo de esos que dan ganas de matar minuto sí y minuto también. Además de ser mucho más estiloso y venir respaldado por buenas y maléficas voces, Will Ferrell para Megamind, Brad Pitt para el abominable y Tina Fey para la chica. Y, ¿qué me dicen de la elección de la banda sonora del tráiler? Sin duda vamos por el buen camino y desde EUL sí esperamos con verdadera y malévola impaciencia el estreno de este documental para el próximo 3 de diciembre.

Como hemos dicho, vamos por el buen camino. Pero aún queda trecho por recorrer. ¿Para cuándo una cinta de imagen real con un villano de protagonista? ¿Para cuándo una verdadera orgía de destrucción y maldad que acabe con la previsible victoria del grupo de villanos y la dulce derrota de los pánfilos justicieros? Desde EUL advertimos que si Hollywood no se presta a hacerlo, quizá sean los telediarios lo que tengan que afrontar la tarea.

Lord-D.

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El combate lo ganan por K.O. (en el primer asalto) los juguetes de Pixar.

La mala salud de Shrek no es nueva, para empezar mucha gente no tiene claro cuantas entregas tiene el ogro:

AMIGO 1: Ah, ¿pero esta es la cuarta?

AMIGO 2: Sí.

AMIGO 1: ¿Hay una tercera? ¿Y de qué va?

AMIGO 2: Sí hombre, es en la que tienen hijos.

AMIGO 1: ¿Pero eso no pasaba en el final de la segunda?

Con esta entrega va a pasar lo mismo, ya que al salir de verla no recuerdas muy bien qué es lo que ha pasado, ni por qué. Simplemente agradeces la aparición de Rumpelstilskin (un buen malo síseñor) y de alguno de sus compañeros, que no mencionaré aquí para no fastidiarle la sorpresa a nadie. También te quedas con algunos de los gags, algunas de las cancioncitas marca de la casa, y poco más. La verdad es que tienes la sensación de haber visto un capítulo más de una serie de televisión entretenida. Pero lo peor es que aquel espíritu rebelde antidisney ha desaparecido. Ocupa su lugar una historia bastante ñoña, con un moraleja totalmente conservadora que lucha por los valores familiares. ¿Qué le vamos a hacer?

Pero luego está la gran vencedora Toy Story 3:

AMIGO 1: Le tengo unas ganas a Toy Story 3, con lo que me gusto la dos.

AMIGO 2: Ve a verla.

AMIGO 1: ¿Ya la has visto? ¿Y qué?

AMIGO 2: Ve a verla.

AMIGO 1: Está bien ¿verdad?

AMIGO 2: Ve a verla.

AMIGO 1: ¿Mejor que Shrek?

AMIGO 2: Ve a verla.

AMIGO 1: Oye, ahora que lo pienso, podías haberme invitado a ver las dos. O como mínimo haberme dicho que irías a verlas. Me habría apuntado. Y ahora no tendríamos esta conversación absurda.

AMIGO 2: Ve a verla.

Para empezar os diré que no parece una tercera parte, mantiene la frescura de las dos anteriores. Los personajes siguen siendo perfectos, del primero al último. El argumento es simplemente genial. No por nada, sino porque es la tercera vez que nos cuentan la historia de unos muñecos que no saben cual es su lugar en el mundo, y aún así seguimos enganchados a la butaca. Quizá porque nosotros tampoco sabemos cual es su lugar en el mundo, así que no sabemos qué sorpresas nos traerá el guión. El prólogo es delicioso, ya os advierto que no llega al nivel de Up (sin duda el mejor prólogo que he visto en mi vida), pero aún así es divertido, emocionante y conmovedor. Durante el film los gags de texto y los visuales se entremezclan, se siguen unos a otros y casi no dan tiempo al espectador a respirar. Sólo tienes tiempo para tomar un poco de aire cuando de repente te emocionas, disimulas las lágrimas y recuerdas algo de tu infancia que sigue latente en tu interior. (Ya me perdonarán la sinceridad psicológica, pero… es así)

Todo eso se lo debemos en gran parte a los creadores del argumento John Lasseter, Andrew Stanton (que ya fueron responsables de las dos primeras entregas, pero que también son los padres de Monstruos S.A., Bichos, Wall-e, Buscando a Nemo…), y Michael Amdt el guionista (que también escribió Pequeña Miss. Sunshain). Unos maestros, vaya. No sólo del guión como tal, sino de cómo plasmarlo en la pantalla, de lo que va a funcionar en imágenes y de lo que no. Son capaces de convertir una pequeña escena de transición en una brillante y emocionante micro escena de humor, de acción, de amor… Conocen el medio y lo utilizan. Y el espectador lo agradece.

Por otra parte también hay que sacarse el sombrero ante los animadores. Los movimientos, en especial los de Woody, son increíbles. Cada juguete tiene un estilo propio. Pero además los fondos, las ambientaciones, los decorados, el detallismo de todos los elementos, las expresiones (me quedo con las de la pequeña Bonnie)… Sólo diré que vi la película en 3D, formato que odio profundamente, y salí encantado, casi sin darme cuenta de lo horrible que es ver cine a través de esas gafas.

Aunque me dejo un montón de cosas por comentar sólo quiero apuntar un par de detalles más: El pequeño homenaje (para mi enorme) que Pixar le hace a Hayao Miyazaki. Y también el cortometraje inicial (al que ya nos tiene acostumbrados la productora) que simplemente es para tomar pan y mojar.

Pau Plana

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No es por aprovecharme de la recién demostrada falibilidad del maestro. No es eso. Pero debo contradecirle: Luther no es una obra maestra. Ni de lejos. Es más bien malilla. Lo que sí tiene es alguna de las más memorables, y mejor interpretadas -es cierto-, escenas de la historia del policíaco moderno. Y no, no caigo en contradicción. La explicación es sencilla: BBC.

Pero como ustedes no han visto la serie, les voy a explicar algunas cosillas para que se me pongan cómodos. Luther es una serie inglesa, concretamente de la BBC, con una temporada completa de seis capítulos que se ha emitido el pasado mes de junio. Es un policíaco de sinopsis aburridilla -policía con la vida destrozada por haber casi matado a un peligroso psicópata vuelve al cuerpo de policía y resuelve casos superchungos- cuyo principal valor a priori era que el papel protagonista caía en el enorme -el tipo es alto de verdad- Idris Elba. Para los que no les suene el nombre bastará decir que interpretaba a Stringer Bell en The Wire. Si no se han puesto en pie al escuchar este nombre, está claro que no han visto The Wire, que por ende irán al infierno y que deberían poner solución a esto con celeridad, e incluso diría más, con presteza.

Dicho todo esto, ¿qué es lo que tiene de malo la serie? Sólo una cosa, un pequeño detalle que hace que el conjunto pierda mucha gracia. El guión es malo con avaricia. Con avaricia propia de malvado especulador del mercado internacional. Para especificar, Luther tiene, como muchas otras series, dos tipos de tramas, las verticales, donde Luther resuelve un caso intenso y de emoción desmedida, y la horizontal, que ocupa toda la primera temporada -o no, no he acabado de saberlo-. Pues bien, mientras las diferentes tramas verticales se aguantan con solvencia y hasta con agrado, la historia que configura la trama horizontal es un completo y absoluto desastre.

Cuando la tendencia mayoritaria en casi todas las serie policíacas actuales es no diseñar ninguna trama horizontal, al bueno de Luther le salen por las orejas: que si su vida personal, que si una psicópata bastante buena gente -este personaje es de Óscar, en serio- que le persigue/ayuda desde el primer capítulo, que si el tipo que casi mató y que está en coma se despierta… En fin, un montón de elementos que en la mejor tradición del anarquismo histórico van a su bola y cogen una dirección u otra, dependiendo del tamaño de los cuernos que tenga el guionista ese día.

Pero ahora viene lo mejor. Quitando ese pequeño detalle del guión, el resto de la serie es magnífico. Borren las palabras ironía, sarcasmo y cinismo de su diccionario, que lo digo en serio. Las interpretaciones son magistrales: Idris Elba se sale; los secundarios también. En cada uno de los capítulos hay una o más de esas escenas tensas, dramáticas -probablemente inverosímiles, pero qué más da- y enormes donde los actores se vacían y lo dan todo, escenas donde la única posibilidad para el espectador es levantarse y aplaudir, ignorando aturdido que no se encuentra en un teatro londinense.

Pero es que, para más inri, la dirección es exquisita. Al principio puede dar un poco por culo, es cierto, por moderna y rompedora: planos levemente descentrados donde el aire de la escena está en el sitio contrario de lo que la férrea tradición indica, transiciones arriesgadas, ya saben ése tipo de cosas. Pero en cuanto se acostumbra uno a ellos y sobre todo cuando nos damos cuenta de que el director es un hombre sabio que aparte de sus pequeñas moderneces sabe que está allí para rodar una historia, entonces es cuando nos damos cuenta de que hay muy pocas series rodadas con tan buen gusto y con tanta elegancia.

Y, pese a todo, y con pesar y angustia en mi corazón de buscador de la esencia perfecta, tengo que decir que esta serie es mala. Mala, porque cuenta una historia esquizoide que ni sabe adónde va ni lo pretende; mala, porque eso provoca que lo que deberían ser interpretaciones de diez y medio, se queden en un ocho porque hay actitudes y sentimientos que son indefendibles por ningún actor por bueno que éste sea; y mala, porque visto lo visto, no tengo ni la más mínima intención de seguir esta historia.

Y eso me jode.

David D. Domínguez. Lord-D@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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Rajar a los políticos, rajar al pueblo, rajar al hijo de un asesino en serie, rajar hasta los adentros a los bastardos mensajeros que nos alcanzan esta miniserie a nuestra estantería. Como diría el rajado Lobo “Rajaré todo y a todos, hasta el último de los héroes”

Desgarrador contra los estamentos y el monopolio de los superhombres, el agitador de conciencias políticas Warren Ellis se aferra más a la corrupción que a los logros de nuestros héroes. Anclándose en el San Francisco de los ´70, nos descubre el FX7 un derivado de los hongos que da poderes a quien lo ingiere. No es LSD pero casi. Tan sólo nos faltan los Jefferson Airplanes, Donovan o los Buffalo Springfield sonando desde el tocata con el ruido de la aguja en el surco, y no la jod*** acústica digitalizada por la compresión del MP3.

Casi nada nuevo si no fuera por el innovador campogibraltareño Juan José Ryp , recientemente premiado en la V Muestra de Cómic de San Roque ( 3,4 y 5 de Junio, Sala Desolladero de la Plaza de toros municipal) por su futura proyección en Marvel ( Punisher: Happy Ending) e Image ( y la serie 100% española con El Torres: Nancy in hell con la correspondiente entrevista en Newsarama Cañí+Geektacular!),  que en esta miniserie luce su nivel artístico con su triplete de  barrocas páginas dobles en la transformación de homo sapiens a superhombre:

…o sus espectaculares portadas homenajes a numerosos mitos del cómic, como esta declaración de amor a Steranko, el primer diseñador gráfico manual de la humanidad, demostrando que el photoshop debiera ser un oscuro atajo hacia la ilustración.

Pero no reseñaremos Black Summer, del mismo tándem. Sí, quizá fue buena, pero los de la colección Popcorn que comparten el olfato con muchos de sus seguidores, podrían también desajustar los precios, que poseen el inamovible PVP de 15 euros y si al amigo lector profano no le cuesta creer que todo vale siempre lo mismo,  somos unos no sé cuántos los que seguimos pagando extrañados pese a salir legalmente justificados. Pero la ley no es justicia.

Igualmente se agradece mucho el empuje de hacernos llegar lo gore y alternativo para vernos pedir más y empujar a cuestionarnos ¿hasta donde llegaríamos nosotros para ser una celebridad? ¿ O para promocionar nuestra creatividad?

Hasta la locura. Podría funcionar…

M.A.D! Gregor Alvarado

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Les digan lo que les digan, les cuenten lo que les cuenten, no se lo crean: Fora de Joc, el último texto estrenado de Sergi Belbel no trata sobre futbol. No me voy a romper la cabeza -aburriéndoles a ustedes en el proceso- dilucidando qué maldades o vilezas han hecho que la mayoría de medios de comunicación hablen de esta pieza como una reflexión alrededor del futbol.  Lo que ahora mismo están pensando es probablemente acertado.

Fora de Joc es un “drama vodevilesco” (me lo acabo de inventar yo, qué pasa, si en Pariscope lo hacen, en EUL también, y mejor, dicho sea de paso) sobre las relaciones entre diversas generaciones de una misma familia. Dentro de este drama, hay dos “digresiones” narrativas, una sobre la belleza (divertidísima Jordi Andújar) y otra sobre fútbol, que además se utiliza para cerrar la obra, en una especie de delirio paranoico-cósmico-futbolero que en mi respetable opinión, es lo peor de toda la obra.

Pero me temo que les estoy dando la sensación de que la pieza es mala. Todo lo contrario. Fora de Joc aborda los problemas de una familia burguesa catalana que, debido a la crisis y también a la mala cabeza del pater familias (Toni Sevilla), se ve incapaz de afrontar el sostén económico de sus miembros dependientes: el abuelo (interpretado magistralmente por Alfred Lucchetti), y la hija adolescente (Queralt Casasayas). Dicho de otra manera, tienen que escoger entre enviar a su hija a estudiar a los Estados Unidos o seguir manteniendo al abuelo, que tiene piso propio en alquiler y asistente argentino (Jordi Andújar).

Hay algo muy potente en esa historia. Aunque en muchos casos se utilice el humor para vehicularlo, la narración funciona y es fácil empatizar -aunque desde la distancia- con los personajes. La elección entre pasado y futuro, la ridiculez y mediocridad de la pequeña familia burguesa (detestable en la madre -Anna Azcona-, gentil y miserable en el padre) y la asunción de que los padres, que lo dieron todo por nosotros, son prescindible o directamente molestos, son temas que se bastan y se sobran para sostener esta historia.

El otro gran puntal de la obra es su puesta en escena. Efectista, rápida, con transiciones y recursos plenamente cinematográficos, consigue dotar de dinamismo a un único escenario y lanzar la acción sin pausa ni respiro durante toda la función. Fora de Joc tiene ensoñaciones, sueños, formulaciones rupturistas de escena, espejos, narraciones escenificadas, narraciones alternativas de un mismo suceso y algún que otro recurso que seguro que olvido. Quizá lo único criticable es que estos recursos son tantos y tan numerosos que alguno parece descolgado y sin mucho sentido (el monólogo “en off” de Toni Sevilla) y otro quizá aparece tan pronto que corre el peligro de lanzar al espectador fuera de la historia cuando aún no ha pasado del recibidor.

Pero, claro está, también hay elementos negativos. Uno de ellos, el final fulboltrónico del cual ya hemos hablado. El otro y lamentablemente el más llamativo, es cierta sensación de que los actores no están todo lo bien que podrían estar. Y la cuestión es que no es problema de los actores. Me explico. Fora de Joc parece estar concebida desde dos planos narrativos e interpretativos totalmente distintos: por un lado, el universo pequeñoburgués y ridículo de los padres, representado por la sobreactuación constante de Anna Azcona, donde reside la mayor parte del humor de la pieza, y por otro el universo realista y costumbrista del abuelo y de su asistente argentino -que concretamente son los dos actores que se muestran tremendamente sólidos en su composición-.

En medio, y recibiendo la peor parte de la situación, los actores que interpretan a los personajes que transitan entre esos dos mundos, la hija y el padre, que en pocos segundos deben bajar de las cumbres interpretativas de la Azcona al sobrio costumbrismo de Lucchetti.

El resultado es la sensación constante de que los actores están fuera de registro, de que la dirección de Cristina Clemente no parece del todo acertada y de rebote, de que el guión de Belbel ha creado personajes estereotipados y a menudo intransitables que estropean notablemente el conjunto.

Y pese a todo, aunque no se hable de futbol, aunque sea palpable cierto desajuste interpretativo y sobre todo, aunque el guión sea claramente mejorable, el tema que trata Fora de Joc es tan potente como para que valga la pena ir a ver la obra. Y eso no es poco.

David D. Domínguez. Lord-D@esunalocuraperopodriafuncionar.com

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